OSP aime les artistes #03 : Maximilien Pellet

Par Camille Viéville

 

Maximilien Pellet, diplômé de l’École nationale supérieure des Arts décoratifs, développe depuis plusieurs années un travail d’envergure sur l’histoire des représentations et la notion de décor. Soucieux d’invention, il crée des tableaux à l’enduit ou en céramique dans lesquels il revisite des thèmes traditionnels – le corps, la face, l’animal, les formes géométriques simples. Il s'approprie les styles du passé, il les mâche, les brasse, les restitue, guidé par une intuition des liens subtils entre formes, époque et culture de masse. Sous un vernis ornemental très trompeur, l’artiste joue également avec les effets de matière pris aux métiers du bâtiment, un registre mi-artisanal mi-industriel composé de carreaux de mosaïque, de crépis ou encore de grillage.

Ces procédés formels accompagnent une réflexion sur les mythes de l’Histoire et sur les ressorts de leur narration, à l’exemple du légendaire « roi des animaux » dans Le lion près de la rivière (2018), ou des fables nées de l’inévitable subjectivité des auteurs de reconstitutions archéologiques (Une salle du palais, 2017).

 

Une salle du palais (composition murale), 2017, enduit sur polystyrène, 250 x 370 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

Parallèlement, Pellet grave et dessine. Sur papier, le geste de l’artiste est plus libre, moins consciemment construit. Avec la fluidité de l’aquarelle ou de l’encre, il explore un registre de formes sensiblement différent, né d’un autre mythe, celui de l’enfance de l’art, et laisse deviner une méditation sur les bonshommes enfantins, l’historicité de l’art brut ou la prétendue primitivité des arts anciens d’Afrique ou d’Océanie.

 

 

Sans titre, 2018, aquarelle sur papier, 38 x 28 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

 

 

Camille Viéville : Tu produis depuis plusieurs années un travail que tu qualifies toi-même de pictural et dans lequel tu mêles des éléments comme la céramique et l’enduit, la fresque et le bas-relief, l’illustration et le monumental, etc.

 

Maximilien Pellet : Oui, j’appelle ça des peintures : même quand je tends vers le mural, ces œuvres sont montées sur châssis, y compris celles dotées de roulettes. Et elles soulèvent des questions picturales. J’aime l’enduit et la céramique qui figent les formes et créent une sorte de distance au sein de laquelle je suis plus à l’aise. Ces techniques me plaisent et me rassurent : elles posent les formes en tant que motifs « presque décoratifs ». Je travaille ainsi la couleur teinte par teinte, dans la masse. C’est lié à la sérigraphie – ma formation initiale – qui isole les formes colorées.

 

Le couple et la lune, 2018, céramique sur bois, 90 x 100 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

Par ailleurs, j’ai un goût pour la collection : j’accumule les effets que je découvre, que je redécouvre, que j’emprunte, pour les assembler en une grammaire qui sert mes recherches formelles. Cette grammaire est basée sur l’appropriation et la digestion de ces effets – c’est-à-dire des motifs, des registres liés à des styles très identifiés. Comment l’Histoire fait d’une forme un style ? Comment ce style devient-il représentatif d’une époque ? Comment s’écrit l’histoire officielle de l’art ? Comment un style devient un archétype ? Comment la culture absorbe une trouvaille ? Au fond, ce sont des préoccupations pop ! Mais avant tout, c’est un jeu : le plaisir de l’emprunt, la tentative de faire quelque chose de nouveau, se rapprocher de l’idée d’un style qui n’existe pas encore.

 

 

C.V. : Tu t’inspires directement des illustrations d’encyclopédies pour enfants édités depuis les années 1950 environ.

 

M.P. : Oui, je collectionne ce type d’encyclopédies depuis cinq ou six ans. J’aime le traitement uniforme de l’histoire de l’humanité dans ces images au style neutre et réaliste, peintes à la gouache. Et puis ces illustrations portent souvent l’héritage de tel courant artistique, de tel artiste influent : on trouve par exemple du post-Lurçat, ou du Matisse complètement assimilé, dans les années 1960. Une histoire de l’art digérée, au service du récit de cette histoire de l’art elle-même, dans la mesure où ces livres évoquent beaucoup l’histoire des civilisations. C’est drôle d’assister à cette mise en scène qui utilise des styles dépassés au regard de l’avant-garde mais encore à la mode au moment de la parution des ouvrages.

 

La mosaïque et la sculpture (fresque roulante), détail, 2017, enduit sur bois, 250 x 230 cm 

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

 

C.V. : J’imagine que tu regardes aussi l’art du passé.

 

M.P. : Beaucoup dans les catalogues ! J’ai un vrai appétit pour l’art reproduit, le changement d’échelle d’un tableau ou de couleur. Je préfère souvent un beau catalogue raisonné à une exposition collective. La reproduction ne me dérange pas. C’est un truc enfantin, aussi : les reproductions d’œuvres qu’on voit petit et qui nous marquent pour le reste de notre vie. Je me suis aperçu récemment qu’il y avait un soleil de Jean Lurçat chez moi, quand j’avais entre 2 et 6 ans. Je n’avais jamais fait le lien mais je pense que ça a beaucoup joué.

 

 

C.V. : Quelle est la place dans tout cela de la gravure et des monotypes ? J’ai le sentiment que tu t’y permets une liberté plus grande.

 

M.P. : J’ai repris la gravure il y a un an et demi environ, à la Villa Belleville [établissement culturel de la Ville de Paris accueillant notamment des résidences d'artistes et des ateliers ainsi que de nombreuses activités à destination des habitants du quartier]. J’ai d’abord vu ça comme un outil supplémentaire. Puis je me suis rendu compte qu’il y avait dans ma façon d’intervenir sur la plaque quelque chose de beaucoup plus intuitif que dans la construction de mes tableaux (où l’aller-retour entre le carnet de croquis et le grand format est plus structuré). La rapidité d’exécution fait ressortir de manière plus naturelle les motifs que je travaille depuis longtemps en peinture, elle fait aussi rejaillir des personnages de mon adolescence, voire de mon enfance, qui fusionnent avec des trouvailles empruntées à certaines avant-gardes.

 

En recommençant à graver à l’eau-forte ou à la pointe-sèche, je n’ai pas longtemps résisté à l’envie de peindre dans l’encre sur la plaque et j’en suis venu au monotype. Je voulais rajouter ces gestes au moment où l’encre est physiquement sur la plaque. Dans ce cas-là, la plaque gravée devient une matrice à motifs. Il y a aussi l’idée de la superposition temporelle sur une même surface, qui fait écho à l’histoire de l’art et à la juxtaposition sur une paroi de plusieurs décors successifs.

 

Sans titre, 2018, estampe, gravure et monotype sur zinc, 38 x 28 cm

(Photo : Archives de l'artistes, DR)

 

 

C.V. : Le dessin – au sens large du terme – s’est vu attribuer ces derniers mois un rôle nouveau dans ton œuvre.

 

M.P. : Je suis revenu à l’aquarelle, en 2018, à la suite de la gravure et du monotype. Le monotype m’a décomplexé face au dessin. Autrefois, je dessinais beaucoup. Mais quand j'ai entrepris de peindre, le dessin est devenu exclusivement préparatoire. Or j'assume en tant que telles les aquarelles réalisées l’an dernier. Matthieu Becker, des éditions LeMégot, en a vu quelques-unes et m’a proposé de faire un livre, Spectres. L’utilisation du pinceau qu’impose l’aquarelle m’a conduit à faire de chaque tracé, de chaque coup de pinceau une composante des créatures réunies dans cette encyclopédie de personnages. Ces aquarelles sont constituées d’un répertoire formel décliné de l’une à l’autre, au fil des pages, créant ainsi une collection de spectres. C’était un prétexte pour expérimenter.

 

 

Sans titre, 2018, aquarelle sur papier, 38 x 28 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

C.V. : Pour finir, aurais-tu l’œuvre d’un graveur ou d’un dessinateur à recommander à OSP ?

 

M.P. : En gravure, Paul Diemunsch [graveur imprimeur né en 1989 ] ! Pour sa volonté de s’inscrire dans la tradition de l’eau-forte et du dessin « académique » que je trouve en réalité très « moderne ». En dessin, Roger Toulouse (1918-1994), un artiste orléanais que j'admire et dont le travail reste assez confidentiel. Il a une production conséquente d'œuvres sur papier, notamment dans les années 1970-1980 des collages et des encres qui posent les bases de sa peinture. Son univers est singulier, avec des directions formelles qui me semblent inédites, presque d'une autre modernité... Je lui rends un hommage dans mon exposition Les Géants qui se tient actuellement au Poctb à Orléans [jusqu’au 10 février 2019].

 

Propos recueillis le 4 janvier 2019 à Paris.

 

Merci à Matthieu Cossé

 

Maximilien Pellet est né en 1991.

Il vit et travaille à Paris.

 

Une eau-forte spécialement réalisée par Maximilien Pellet pour OSP est en vente sur le site.

La Galerie OSP présentera une sélection d'œuvres de Maximilien Pellet, avec des dessins et des peintures de Marcel Lempereur-Haut, du 21 au 24 mars 2019 à Paris.

 

(En ouverture : Sans titre, 2018, aquarelle sur papier, 38 x 28 cm, collection particulière)

 

Pour citer cet article :

Camille Viéville, « OSP aime les artistes #03 : Maximilien Pellet », galerieosp.com, mis en ligne le 16 janvier 2019, consulté le [date de consultation]

 

 

 

Autres articles:

Lempereur-Haut / Pellet : une intuition

Par Camille Viéville

 

L’idée d’exposer sur les mêmes murs les œuvres de Marcel Lempereur-Haut (1898-1986) et celles de Maximilien Pellet (né en 1991) est née d’une intuition : celle d’un dialogue possible entre un vieux peintre obsédé d’esthétique nouvelle, de mathématiques et d’ornement, et un jeune artiste, préoccupé de styles et de décor, fasciné par la voracité de la culture de masse à leur égard. Aux têtes modernistes et aux motifs de cœur ou d’étoile indéfiniment répétés du premier répondent les recherches du second sur les formes schématiques et leurs inépuisables variantes, ainsi que sur les mécanismes de popularisation des avant-gardes et des expressions marginales.

 

Vue de l'exposition Lempereur-Haut / Pellet

Paris, Galerie OSP, 21-24 mars 2019

(Photo : Archives Galerie OSP)

 

Cette réunion marque la redécouverte de l’œuvre de Lempereur-Haut à la lumière d’une certaine création contemporaine – ici incarnée par Pellet, guidé par une extrême sensibilité à l’égard des œuvres fortes mais méconnues – pour qui, à l’heure de l’hyper-consommation visuelle, le temps de la digestion des images signifie beaucoup.

 

Vue de l'exposition Lempereur-Haut / Pellet

Paris, Galerie OSP, 21-24 mars 2019

(Photo : Archives Galerie OSP)

 

Entretien avec B. Soyer et S. Toulouse, fondatrices de The Drawer

Par Camille Viéville

 

En cette fin de mois de mars, alors que la Semaine du Dessin débute à Paris, paraît le 16numéro de la revue semestrielle The Drawer, fondée par deux passionnées, Barbara Soyer, journaliste et éditrice, et Sophie Toulouse, directrice artistique et enseignante à l’Atelier de Sèvres. L’occasion de les rencontrer, pour un entretien à deux voix.

 

 

Camille Viéville : Quand a été créé The Drawer et avec quelle ambition ?

 

Barbara Soyer : En 2011, Sophie m’a proposé un projet éditorial autour du dessin contemporain.

 

Sophie Toulouse : À cette époque, je faisais du dessin commercial depuis une dizaine d’années et j’étais arrivée à saturation : j’avais besoin de renouveler mon regard sur le dessin. J’ai alors lancé l’idée de The Drawer.

 

B.S. : Nous voulions créer un rendez-vous semestriel pour les amateurs de dessin contemporain, qu’ils soient galeristes, artistes ou collectionneurs. Nous nous s’apprêtons aujourd’hui à publier le 16numéro et nous sommes heureuses d’être parvenues à respecter cette périodicité-là. Ça a permis de donner du poids à The Drawer.

 

Paul Kindersley, double page dans The Drawer, n° 16, 2019

(Photo : Archives The Drawer, DR)

 

S.T. : Nous voulions aussi que la revue soit une source d’inspiration pour les créatifs et qu’elle suscite chez eux l’envie de faire travailler les artistes.

 

B.S. : Absolument, qu’elle constitue une nourriture visuelle, hors des registres habituels « photo » ou « illustration ». Nous voulions décloisonner le dessin, le sortir de son « ghetto » et ouvrir nos pages à d’autres choses, à la peinture par exemple.

 

S.T. : Par ailleurs, nous avions pris le parti d’une maquette simple, intemporelle. La revue, je crois, ne se démode pas.

 

 

C.V. : Selon quels principes est construite la revue ?

 

B.S. : The Drawer est construite selon un principe simple : nous choisissons à chaque numéro un thème – « Le rire », « Parade », ou « Amour » pour la première série, et désormais, pour la seconde série inaugurée à la 15livraison, une couleur – puis nous invitons des artistes à participer.

 

Samuel Trenquier, double page dans The Drawer, n° 16, 2019

(Photo : Archives The Drawer, DR)

 

S.T. : Le thème fonctionne comme un fil rouge mais nous ne demandons pas aux dessinateurs de l’illustrer. Surtout pas. Les dessins doivent avoir leur propre autonomie. En revanche, libre à eux, bien sûr, de proposer des œuvres préexistantes ou, à l’inverse, spécialement réalisées pour l’occasion. Autre principe de la revue : ne jamais publier deux fois le même artiste.

 

 

C.V. : Comment sélectionnez-vous les artistes ?

 

B.S. : Concrètement, nous réfléchissons en fonction du thème défini. Chacune de nous prépare sa liste et fait ses propositions à l’autre. Nous essayons de travailler sans œillères, les yeux grands ouverts. Nous collaborons avec des plasticiens mais aussi avec des gens venus d’autres milieux, comme des musiciens, des designers, des architectes.

 

S.T. : Nous avons une sensibilité très similaire donc nous suggérons souvent les mêmes noms : la sélection finale est assez facile à établir !

 

B.S. : Au cours de cette phase, nous cherchons à doser les jeunes et les moins jeunes, les connus et les méconnus, les branchés et les pas branchés, les dessinateurs purs et les artistes pour qui le dessin ne représente qu’une pratique marginale. Jusqu’à parvenir à un ensemble juste, harmonieux. Puis nous envoyons les invitations !

 

Marc Desgrandchamps, double page dans The Drawer, n° 16, 2019

(Photo : Archives The Drawer, DR)

 

 

C.V. Qu’est-ce qu’un bon dessin, selon The Drawer ?

 

B.S. : C’est une œuvre équilibrée, qui ne se discute pas. C’est une œuvre qui est dotée d’une présence puissante, forte. Avec une forme de maturité.

 

S.T. : Oui, c’est exactement ça ! [Rires]

 

 

C.V. : The Drawer, c’est aussi de l’édition de livres et du commissariat.

 

S.T. : Oui, nous avons d’ores et déjà publié deux livres, Alexandre & Florentine Lamarche-Ovize : Inventaire [en 2017 (OSP consacrera en avril prochain un entretien à ce duo d’artistes)] et Gil Lesage : Désordre [en 2018].

 

Alexandre & Florentine Lamarche-Ovize : Inventaire, Paris, The Drawer, 2017 (couverture)

(Photo : Archives The Drawer, DR)

 

B.S. : Il y a quelques années, nous disposions d’un lieu dans lequel nous avons fait une dizaine d’accrochages et nous souhaitons poursuivre cela. Pour nous, le commissariat se situe dans le prolongement de notre activité éditoriale car la revue fonctionne, à certains égards, comme une exposition sur papier.

 

Vue de l'exposition Ladies Only (œuvres de Lucie Picandet et Bianca Argimon)

 Paris, galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois

22 février - 12 avril 2019

(Photo : Aurélien Mole, DR)

 

En 2016, la galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois nous avait demandé de concevoir un premier projet, Heroes, en lien direct avec le 10numéro de la revue. Nous avons renouvelé la collaboration cette année, avec une exposition intitulée Ladies Only [jusqu’au 12 avril 2019], contrepoids à l’autre manifestation du moment chez Vallois, consacrée à Jacques Villeglé et à ses lacérations d’affiches publicitaires pour le minitel rose. Nous avons donc choisi des artistes femmes que nous avions publiées dans The Drawer : Bianca Argimon, Lauren Coullard, Lucie Picandet et Vivian Greven. Le commissariat devient dès lors un moyen intéressant et agréable de continuer à travailler avec des gens que nous apprécions.

 

Vivian Greven, Lamia III, 2018, huile et acrylique sur toile, 130 x 98 cm

Vue de l'exposition Ladies Only, Paris, galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois

22 février - 12 avril 2019

(Photo : Aurélien Mole, DR)

 

 

C.V. : Pour finir, auriez-vous un dessinateur à recommander à OSP ?

 

S.T. : Je pense à Sherman Sam [né en 1966]. Un travail très lent – un dessin l’occupe pendant plusieurs années –, très poétique. C’est le dessin comme compagnon de route. Une manière de noter sa vie.

 

B.S. : Clive Hodgson [né en 1953], un artiste abstrait, qui joue avec les aplats de couleurs, les lignes et les formes ; curieusement, chaque dessin porte l’année de sa réalisation, en grand. Par ailleurs, ses œuvres sont sans âge et sans sexe, c’est très troublant.

 

Propos recueillis le 25 février 2019 à Paris.

 

www.thedrawer.net

 

(En ouverture : couverture par Alexandre Benjamin Navet, The Drawer, n° 16, 2019)

 

Pour citer cet article :

Camille Viéville, « Entretien avec Barbara Soyer et Sophie Toulouse, fondatrice de The Drawer », galerieosp.com, mis en ligne le 26 mars 2019, consulté le [date de consultation]

OSP aime les artistes #05 : Delphine Trouche

Par Camille Viéville

 

Diplômée des écoles d’art de Munster, d’Avignon et de Bourges, Delphine Trouche est peintre. Depuis quelques années, elle construit une œuvre abstraite fondée sur le détournement de motifs empruntés à l’histoire de l’art (la touche de couleur répétée à l’infini, héritée de Supports/Surfaces), à la culture populaire (le palmier, la baguette de pain) ou à l’iconographie religieuse et ésotérique (l’œil). Souvent organisés sur le feuillet de papier – son support de prédilection – autour d’un centre en expansion, ces motifs jaillissent des limbes, mis au jour par une explosion picturale de laquelle tout semble pouvoir advenir. Séduisants ou vulgaires, ils sont pour elle non-figuratifs tant ils ont été épuisés par le regard. Échappant à une narration trop explicite, ils résonnent dès lors plus librement dans l’inconscient collectif pour s’inscrire aussi dans un récit intime propre à l’artiste.

 

Grand paysage métaphysique n° 6, 2015, acrylique et gomme laque sur papier, aimants, 152 x 148 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

Ce goût de la plasticité des formes répond au plaisir physique de peindre, que Delphine Trouche ressent avec intensité. Sur du papier fixé à la gomme laque ou parfois sur le mur lui-même, elle procède par couches successives, à l’aide notamment de réserves réalisées au scotch, et aime créer des effets de matière avec les textures de l’acrylique, de l’huile, de l’encre ou de l’aquarelle. À cela se mêle un questionnement politique sur la nécessité de déjouer, par le rire et la fantaisie, une sorte de virilité picturale, très prégnante en France selon elle (pouvoir théorique, voire doctrinal, de nombreux groupes de peintres ; importance historique et suprématie académique du tableau ; épaisseur symbolique de la couche de pigments corrélée à la valeur marchande de l’œuvre, etc.). Avec finesse, elle invite le spectateur, dans le cadre même de sa peinture mais aussi à l’occasion de performances, à s’interroger sur les puissances normatives – sociales, sexuelles, économiques – qui structurent notre regard.

 

 

Camille Viéville Tu travailles essentiellement sur papier. Peux-tu me parler de ce choix ?

 

Delphine Trouche : J’adore le papier comme matière. Par ailleurs, j’ai vécu à l’étranger : le papier se transporte aisément, même dans des endroits reculés.

Mais, il faut le dire, ça a d’abord été un choix économique. Étudiante, je n’avais pas les moyens de m’offrir des toiles. Quand j’ai pu en acheter, je me suis aperçue que mon rapport à ce support était moins immédiat que mon rapport au papier. Je perdais un peu de fraîcheur, sans doute embarrassée par la peur de rater, en raison du coût même de la toile. Je me rendais bien compte que ça ne marchait pas.

Je me suis alors posée la question suivante : pourquoi peint-on sur toile ? Historiquement, les artistes ont préféré le châssis au bois pour des raisons pratiques ; rien qui fasse vraiment sens pour moi. Cette réflexion s’est donc muée en choix politique. Pourquoi systématiquement donner aux images que je crée une forme bourgeoise, la forme tableau ?

 

Inverted Odyssey, 2018, gomme laque et acrylique sur papier, 140 x 110 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

 

C.V. : Tu utilises des motifs, des signes empruntés à la culture populaire, à l’histoire de l’art ou au cinéma, qui s’agencent comme des collages.

 

D.T. : À l’origine, l’emprunt relève de la blague : survoler l’histoire de la peinture, faire des clins d’œil et être lisible pour le spectateur qui reconnaît facilement les motifs. C’est aussi une manière d’être ironique à l’égard de la peinture française qui a beaucoup usé du motif avec sérieux. Quant au principe du collage, il est lui-même un emprunt : un emprunt au modernisme.

 

 

C.V. : Tu travailles aussi par couches.

 

D.T. : Les couches successives sont une manière de créer de la profondeur sans avoir recours à la perspective illusionniste et au dessin traditionnel. Je commence par une pellicule de gomme laque pour fixer le papier, avant d’utiliser différentes acryliques, la peinture à l’huile, l’encre ou le graphite. Il y a donc un jeu sur la profondeur et les espaces mais aussi sur les matières, avec des effets de brillance ou de matité. J’aime bien ça. Au début, ça me permettait aussi d’avancer dans l’œuvre sans avoir nécessairement décidé au préalable ce que j’allais faire. Je pouvais travailler sereinement et avoir, au cours de la réalisation, des temporalités différentes, en fonction des temps de séchage notamment.

 

Stella chérie, 2018, encre et acrylique sur papier, 35 x 27 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

 

C.V. : L’idée de l’explosion est récurrente : on la perçoit déjà dans la série que tu avais montrée au Salon de Montrouge (2014) et elle est encore très présente dans les œuvres que tu as réalisées ces dernières semaines.

 

D.T. : Quand j’ai commencé à travailler sur l’explosion (ou l’implosion, on ne sait pas toujours), je croyais que c’était une  simple recherche formelle. Mais petit à petit, je me suis rendue compte qu’il s’agissait d’autre chose : il s’agissait de poésie. L’explosion est un moment de cristallisation où tout semble possible ; elle rend tout majestueux, tout indécis. D’un point de vue pictural et métaphorique, ça m’intéresse. Par exemple, le palmier, que j’ai souvent peint, est un motif très graphique, à la fois chargé et complètement déchargé de sens, et qui a cette forme explosive, s’ouvrant au soleil. On retrouve ça chez certains cactus qui font une fleur, comme une explosion de couleur, et puis qui meurent. Un instant de grâce, quoi...

 

Miami Vice, 2014, acrylique sur papier, 140 x 110 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR) 

 

 

C.V. : Tu peins sur papier. Mais est-ce que tu dessines ?

 

D.T. : Oui, depuis un an. À mes yeux, le dessin est lié à la figuration – ce qui est faux, évidemment. Pendant longtemps, j’ai eu peur de dire des conneries mais je suis devenue plus indulgente avec moi-même, je m’autorise donc à raconter davantage. J’accepte de plus en plus de nommer des choses, d’être figurative, moi qui me considère comme une artiste abstraite. En ce moment, je fais un petit poussin qui porte son baluchon : je l’ai piqué à Nicole Eisenman [née en 1965]. Comme c’est elle qui l’a dessiné la première, je ne suis pas responsable de ce motif, bien qu’il soit très narratif, très littéral et empli de sens.

 

 

C.V. : Dans ton travail, tu fais également appel à l’humour – tu parles d’humour pictural d’ailleurs.

 

D.T. : Bon, tout le monde ne le perçoit pas : parfois, il n’y a que moi qui me marre !! Ces temps-ci, je travaille sur l’objet « œil ». C’est un motif omniprésent dans les représentations religieuses, spirituelles ou encore maçonniques, bref, des domaines dont on n’a pas le droit de rire ! Alors qu’en réalité – dans la vie comme dans la peinture –, il n’y a rien de sérieux.

Je ne comprends pas la sacralisation d’une forme. De la même manière, je ne comprends pas la sacralisation de l’abstraction. Je m’intéresse donc au détournement de systèmes picturaux qui sont présentés comme très intelligents, graves. Par exemple, j’ai travaillé le motif de la baguette de pain en réaction à toute l’histoire de la nature morte, souvent vue comme une sorte d’essentialité de la peinture, et de sa symbolique. On peut faire des petits carrés noirs sur fond blanc mais on peut aussi faire des petits carrés aux couleurs du rainbow flag ! L’austérité dans le travail ne m’intéresse pas.

 

Petit intérieur métaphysique n° 29, 2015, acrylique et gomme laque sur papier, aimants, 65 x 50 cm

(Photo : Archives de l'artiste, DR)

 

 

C.V. : Quelle est la part de politique dans ton œuvre ?

 

D.T. : La manière dont je travaille est politique. Peindre, dessiner, écrire, penser, faire de la recherche, passer du temps à s’occuper de petites choses qui n’ont pas ou peu de valeur économique, c’est politique. Échapper à la productivité, être inefficace, c’est politique. C’est même le dernier rempart avant l’effondrement.

En ce moment, je lis beaucoup d’écrits féministes, par exemple La Pensée straight de Monique Wittig [paru en 1992]. Elle analyse comment être lesbienne permet d’échapper à la norme hétérosexuelle et à sa conception aliénante des rapports hommes-femmes. À partir de ce constat, elle propose une alternative grâce à la libération de la pensée hors de cette norme. Une révolution qui ne reposerait pas que sur des questions économiques, c’est intéressant, non ?

 

 

Vue de l'exposition Peindre, dite-elle, Dole, musée des Beaux-Arts

10 mars - 28 mai 2017, commissariat : Julie Crenn, Amélie Lavin et Annabelle Ténèze

(Photo : Jean-Loup Mathieu - Archives de l'artiste)

 

Ces lectures nourrissent une réflexion que j’ai entamée en amont sur la désobéissance et elles commencent à pénétrer ma peinture. Mais c’est un tournant très compliqué : comment insuffler des idées politiques dans un travail qui à mes yeux est poétique ? Je peins sur le mur ou sur un papier fixé au mur, comme des percées : cela revient à ouvrir un espace mental où il y a la place pour la projection et peut-être aussi pour une proposition politique, sans imposer mes idées, sans coincer le spectateur.

 

 

C.V. : Pour finir, aurais-tu un dessinateur ou un graveur à recommander à OSP ?

 

D.T. : [Silence] Je me rends compte que je regarde beaucoup de peinture, peu de dessin et jamais de gravure ! Ces derniers temps, je me suis davantage intéressée à l’art des femmes, auquel j’emprunte des choses. J’ai regardé Hilma af Klint [1862-1944], qui est très à la mode aujourd’hui, Anni Albers [1899-1994], dont je trouve le travail somptueux, ou Elisabeth Frieberg [née en 1977], une artiste suédoise. Et une jeune dessinatrice, Chloé Robert [née en 1986] avec qui j’ai collaboré cet hiver à l’occasion d’une résidence à La Réunion.

 

Propos recueillis à Paris le 13 février 2019.

 

 

Delphine Trouche est née en 1982 et travaille à Paris.

 

 

Prochaine exposition : Dissident.e.s : Noël Dolla & Delphine Trouche (commissariat : Julie Crenn), Bourges, Transpalette – Centre d’art contemporain, 28.06 > 14.09.2019

 

Un dessin de Delphine Trouche est en vente sur la page d’accueil du site.

 

(En ouverture : Stella chérie, 2018, encre et acrylique sur papier, 35 x 27 cm)

 

Pour citer cet article :

Camille Viéville, « OSP aime les artistes #05 : Delphine Trouche », galerieosp.com, mis en ligne le 11 mars 2019, consulté le [date de consultation]

 

OSP aime les artistes #04 : Louise Aleksiejew & Antoine Medes

Par Camille Viéville

 

Tout en développant l’un et l’autre une œuvre personnelle, Louise Aleksiejew et Antoine Medes travaillent en duo depuis les bancs de l’École supérieure d’arts et médias de Caen, dont ils sont sortis diplômés en 2016. Leur premier projet commun, Ping-Pong, importante série (toujours en cours) de dessins à deux cases dominée par le principe de dialogue, a ouvert la voie à une coopération plus étroite encore où les arts graphiques conservent une place fondamentale. Ainsi élaborent-ils sur papier leurs projets à quatre mains – de grands croquis parfois annotés, où chacun est libre d’ajouter ou d’effacer. Quand une esquisse les satisfait, ils réalisent l’œuvre, tantôt ensemble, tantôt séparément, en fonction du temps mais aussi de l’inclination de chacun pour la technique choisie : plâtre, céramique, textile, encre de Chine, aquarelle ou gouache, crayon de couleur ou graphite, etc.

 

Coiffe, 2017, bois, plâtre, aluminium, gesso et peinture acrylique, 80 x 25 x 50cm

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

L. Aleksiejew et A. Medes explorent toutes sortes de médiums avec une appétence à la mesure de leur désintérêt des hiérarchies traditionnelles entre peinture, sculpture, arts dit « mineurs » et artisanat. Leur grande consommation d’images (publicités anciennes et récentes, reproductions d’œuvres d’art, manga, bande dessinée populaire ou underground, cinéma, animation, etc.) nourrit d’un détail de forme, d’un ton, d’une lumière leurs créations, sans pour autant qu’ils ne pratiquent l’art de la citation ou du détournement. Point de jeu de piste ici mais plutôt, sur fond de délectation rétinienne, une réflexion sur la puissance et la dialectique des images et leur convulsion à l’ère d’internet.

 

Flip et Flop, 2016, encre de Chine et encre aquarelle sur papier Arches, 26 x 21 cm

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

 

Camille Viéville Vous avez commencé à travailler ensemble en 2014  avec une série de dessins intitulée Ping-Pong.

 

Antoine Medes : On a commencé à travailler ensemble quand on était étudiant aux Beaux-Arts de Caen. On s’est rendu compte qu’on avait des protocoles assez proches, une culture du dessin et une culture populaire qui se rejoignaient ainsi qu’une volonté partagée de questionner les hiérarchies. Louise s’intéressait à la BD et à l’illustration, et moi, à la gravure et à un certain rapport au savoir-faire. Tout ça s’est entremêlé dans nos discussions : on a longuement parlé avant de commencer à produire.

 

Louise Aleksiejew : On entretient chacun une collection d’images sur Tumblr, qu’on alimente régulièrement au fil de nos explorations sur le net. On a alors découvert que l’une et l’autre avaient de nombreux points communs.

 

A.M. : C’est devenu entre nous un moyen facile de partager des images. Ensuite j’ai proposé à Louise de dialoguer par le dessin, sur des chutes du papier Arches que j’utilisais en gravure, avec cette même idée de partage d’images à l’esprit : ça a donné la série Ping-Pong. Une sorte de laboratoire graphique transportable qu’on se transmet l’un à l’autre.

 

L.A. : Oui, on a commencé cette correspondance dessinée pendant les vacances d’été. Ce sont des feuillets de 15 x 25 cm sur lesquels on crée deux images (chacun une) qui dialoguent entre elles. Ça fonctionne comme des questions-réponses. C’est aussi un moyen de provoquer des réactions chez l’autre.

 

Ping-Pong, 2014-en cours, technique mixte sur papier Arches, 15 x 25 cm

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

A.M. : À l’époque, c’était une manière d’amorcer des processus de création émancipés de l’école mais aussi de certains canons de l’art contemporain et d’explorer les périphéries. L’anonymat de ces dessins – aucun n’est signé – est aussi un espace de liberté, qui autorise des choses comme la bêtise ou l’anecdote. Puis peu à peu on a trouvé, grâce à Ping-Pong, un langage propre à notre duo, une façon d’explorer les possibilités de la divergence.

 

L.A. : Dans un premier temps, on a pensé la série en terme d’images, avant de la penser en terme de dessin – le geste, la technique, la couleur, les ruptures de style.

 

A.M. : Oui, en terme de dialectique de l’image, aussi. Avec des références à la BD et à l’accrochage.

 

L.A. : On pose le principe qu’une image n’existe jamais seule. Les dessins de Ping-Pong sont de dimensions variables d’un feuillet à l’autre mais toujours séparés par une marge d’un centimètre. Cette marge est une évocation de la gouttière de la bande dessinée, un interstice dans lequel le spectateur peut se faufiler.

 

A.M. : Ce blanc tournant autour des images appartient autant au domaine de la bande dessinée qu’à ceux du graphisme et de l’estampe. Il évoque le montage cinématographique ou le cadre de l’animation. Il permet une respiration et la narration. D’ailleurs, on pense beaucoup à la troisième image, à l’image manquante, qui est celle du milieu.

 

Ping-Pong, 2014-en cours, technique mixte sur papier Arches, 15 x 25 cm

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

 

C.V. : Encore aujourd’hui, le dessin est au cœur de votre collaboration.

 

L.A. : Dans mon travail individuel, le dessin est à la base de tout, l’outil idéal pour inventer un monde. Je ne pense rien sans dessiner, c’est comme ça que je construis les choses. De même, le dessin a un rôle double dans notre travail commun : c’est une fin mais c’est aussi un moyen. Après avoir commencé Ping-Pong, on a rapidement eu envie de mélanger nos dessins dans un même espace. Le dessin est vraiment un outil pour communiquer : quand on réalise une sculpture en duo par exemple, on part toujours d’un brouillon élaboré à deux.

 

A.M. : Le dessin est ce qui se prête le mieux au dialogue. C’est comme de la prise de notes de formes ou de signes.

 

Joli projet, 2016, encre aquarelle, pierre noire et crayon de couleur sur papier Arches, 25 x 21 cm 

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

 

C.V. C’est comme une écriture, non ?

 

L.A. et M.D. : Oui, totalement !

 

L.A. : Par ailleurs, en bande dessinée ou dans les textes théoriques que j’écris parfois, je bascule indifféremment du texte au dessin pour développer mes récits ou mon propos, comme si c’était une langue commune. Je ressens également cela quand je nomme un dessin ; pour moi le titre précède parfois la réalisation de l’œuvre, il lui sert parfois de point de départ.

 

 

C.V. Vous regardez beaucoup d’images de différente nature, sur internet notamment, et avec lesquelles vous jouez dans votre œuvre. Est-ce que vous pouvez me dire un mot de cette digestion des images, terme que vous employez vous-mêmes ?

 

A.M. : Le mot « digestion » implique un rapport organique à l’image. J’aime bien aussi le terme de sédimentation : les choses prennent des formes différentes, sont compressées, se confondent.

 

L.A. : La digestion implique une dimension alimentaire, un rapport au plaisir. Je suis très gourmande d’images. Cela fait partie de mon quotidien, mais cette consommation est aussi un moyen de comprendre comment je veux me positionner, en dépassant les hiérarchies entre peinture/publicité/illustration, par exemple. Ça serait malhonnête de ne pas reconnaître qu’on vit entourés d’images. Le tri ne s’effectue pas en amont, mais au cours de cette digestion : certaines images subsistent, laissent des traces et s’hybrident dans nos esprits, en intégrant une sorte de corpus mental qui resurgira parfois dans le travail. C’est également lié à notre hyper-production d’images. On nous a parfois interpellés sur ce point : dans un monde déjà saturé, il serait de notre devoir de produire des images de grande qualité. Mais on n’y croit pas du tout. On consomme et on produit beaucoup par le biais de la surprise, de l’erreur, de l’inattendu, de la blague.

 

Ping-Pong, 2014-en cours, technique mixte sur papier Arches, 15 x 25 cm

(Photo : Archives des artistes, DR)

 

A.M. : On a beaucoup lu John Berger [(1926-2017) écrivain et critique anglais] chez qui il y a une suggestion de l’éthique de l’image mais aussi une démystification de l’œuvre d’art. Il ne cesse de souligner l’importance de comprendre les images dans leur contexte.

 

L.A. : On essaie de réfléchir à ça et de donner à voir, dans notre travail, ces réseaux visuels et picturaux qu’on a absorbés, qui nous dépassent et auxquels on participe en même temps.

 

 

C.V. Quel lien faites-vous entre l’usage dématérialisé de ces images et le dessin ainsi que vos pratiques très marquées par l’artisanat, la céramique, la xylogravure ou la linogravure, et le textile ?

 

A.M. : C’est un rapport entre le voir et le faire, qui va aussi avec un style de vie. Les enseignements techniques ayant quasiment disparu aux Beaux-Arts, notre génération a l’habitude d’utiliser les tutoriels sur YouTube pour apprendre. On aime chercher des solutions pour répondre à des rapports de formes qui bloquent, par exemple. De même qu’on démystifie les images, on démystifie le savoir-faire technique, la question du tour de force ou du grand œuvre. On aime ce glissement du projet dessiné, quelque chose de presque conceptuel, à la réalisation d’un objet en céramique ou en textile, davantage inscrit dans le quotidien. Et puis j’adore travailler à l’échelle du bibelot.

 

L.A. : La question de l’utile transparaît dans certaines de nos pièces (sans qu’elles soient pour autant utilitaires). On est très sensibles à des artistes pour qui la vie c’est l’art et l’art c’est la vie. On regarde le Bauhaus, les textiles de Sophie Taeuber-Arp[(1889-1943)] ou les œuvres de Valentine Schlegel [(née en 1925)], animés du fantasme de créer nos propres objets.

 

La Pisse, 2018, tissu, ouate, fil, 150 x 100 cm

(Photo : © F. Deladerrière - Archives des artistes, DR)

 

 

C.V. Vous êtes soucieux aussi de respecter une certaine économie de moyens.

 

L.A. : On fait avec ce qu’on a à notre disposition, on est très pragmatique.

 

A.M. : Oui il y a une forme d’opportunisme à se saisir de ce qui est disponible, à se laisser guider par les circonstances. Cela s’inscrit dans un rapport d’échelle avec nos moyens mais aussi avec notre réalité.

 

Les pics, 2018, 315 x 513 cm, peinture acrylique, gesso, encre de Chine colorée

(Photo : © F. Deladerrière - Archives des artistes, DR)

 

 

C.V. Votre travail est-il politique ?

 

L.A. : Notre travail n’a pas de composante militante et ne porte pas de revendication. Mais comme tout travail il témoigne de certaines de nos réflexions notamment sur la question de l’image, les hiérarchies entre arts majeurs, arts mineurs et culture populaire et les constructions sociales auxquelles elles se rapportent.

 

A.M. : On parle beaucoup de politique entre nous, c’est quelque chose qui nous intéresse, mais l’éthique et la prudence sont en jeu. Tout en ayant des attitudes politiques – nous sommes un homme et une femme qui travaillons à deux et qui réfléchissons à ce que ça implique dans le monde de l’art – , on est très soucieux d’éviter la propagande et l’instrumentalisation des idées dans notre travail. Le dessin est pour nous un moyen de questionner avec nuance des modèles politiques qui ne nous conviennent pas, tout en échappant à la polémique ou à la position d’expert.

 

L.A. : Plutôt que de pointer du doigt, on préfère examiner notre propre vision. Ce qui est politique, c’est le regard : celui qu’on propose comme ceux qu’on interroge. Et ça, on le doit aux textes de John Berger sur l’histoire de l’art comme paradigme bourgeois.

 

A.M. : Oui, quand on pense à la politique des images, Berger est vraiment un modèle pour nous.

 

Les Crottes, 2018, tissu, ouate, fil, 150 x 100 cm

(Photo : © F. Deladerrière - Archives des artistes, DR)

 

 

C.V. Pour finir, auriez-vous un dessinateur ou un graveur à recommander à OSP ?

 

A.M. et L.A. : The Chicago Imagists [mouvement éclos dans les années 1960 en marge de la School of the Art Institute of Chicago et à l’esthétique figurative marquée par le grotesque, l’Art Brut, le surréalisme ou encore la publicité] !

 

A.M.  : Les Chicago Imagists avaient une certaine proximité avec le pop art mais avec un véritable goût de la culture populaire.

 

L.A. : Ils ne se sont jamais placés au-dessus de la culture populaire, de laquelle ils dépendaient, ils y ont participé en piochant dedans.

 

M.A. : Et leurs dessins, leurs peintures et leurs sculptures sont au même niveau. Il y a une sorte de pertinence, d’honnêteté entre les mediums qui est assez belle. Et qui d’autre ? Paul Cox [né à Paris en 1959] !

 

L.A. : Je suis d’accord ! [rires]

 

M.A. : Il m’a donné envie d’être artiste quand j’étais enfant. Il est à la croisée de la peinture, du dessin, de l’art contemporain, du graphisme, de l’édition. Il n’est pas clair du tout sur son propre statut car je crois qu’il s’en fout !

 

Propos recueillis à Paris le 29 janvier 2019.

 

 

Louise Aleksiejew est née en 1994 et travaille à Saint-Ouen.

 

Antoine Medes est né en 1994 et travaille à Saint-Ouen et Montreuil.

 

Un dessin de Louise Aleksiejew et Antoine Medes est en vente sur le site.

La Galerie OSP présentera une sélection d'œuvres de Louise Aleksiejew et Antoine Medes à l'occasion de la 9e édition d'Une Partie de Campagne (8-10 juin 2019, Château d'Esquelbecq, Flandre).

 

(En ouverture : Calibrage, 2016, graphite, encre aquarelle et encre de Chine sur papier Arches, 32 x 24 cm)

 

Pour citer cet article :

Camille Viéville, « OSP aime les artistes #04 : Louise Aleksiejew et Antoine Medes », galerieosp.com, mis en ligne le 13 février 2019, consulté le [date de consultation]

 

 

Entretien avec Sébastien Desplat, de l'Atelier R.L.D.

Par Camille Viéville

 

OSP poursuit ses visites d'atelier et s'est rendue dans les locaux parisiens de l'Atelier R.L.D., imprimeur et éditeur d'art. Ou l'occasion d'en savoir plus sur ces métiers, héritiers d'une tradition née au XIXsiècle, grâce à Sébastien Desplat, artisan et éditeur.

 

 

Camille Viéville : Comment est né l'Atelier R.L.D. ?

 

Sébastien Desplat : L’Atelier R.L.D. a été fondé en 1973 par Robert et Lydie Dutrou. Robert Dutrou (1930-1999) a commencé en 1944 comme apprenti à l’atelier Lacourière [célèbre atelier parisien fondé en 1929, spécialisé en lithographie et taille-douce, ndlr], où il s’est lié avec de nombreux artistes parmi lesquels Joan Miró, dont il devient le graveur.

 

Joan Miró (au centre) en compagnie de Lydie et Robert Dutrou
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)
 
 

Après une première association avec Aldo Crommelynck (1931-2008) [maître-graveur de renom, ndlr], Robert, accompagné de son épouse Lydie, travaille pour les Maeght qui lui ont confié la direction de leur atelier de taille-douce [c'est-à-dire toutes les techniques de gravure en creux sur une plaque de métal, ndlr]. Pour des raisons familiales, Lydie et Robert décident en 1973 de créer leur propre atelier, l’atelier Morsang, à Saint-Michel-sur Orge – les éditions Maeght resteront leurs principaux clients, jusqu’au décès d’Aimé Maeght en 1981.

L’atelier, rebaptisé l'Atelier R.L.D., d’après les initiales de ses fondateurs, déménage ensuite à Paris dans le XIIIarrondissement. À cette époque, de nombreux imprimeurs ferment leurs portes et le couple rachète des fonds de typographes et de lithographes (presses, plombs, pierres, etc.), afin de diversifier ses activités et de préserver un patrimoine menacé de disparition.

 

Caractères en plomb à l'atelier de typographie
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)
 
 

En 1978, Robert et Lydie font l’acquisition à La Métairie-Bruyère (Bourgogne) d’une ferme qui accueille un second pôle d’ateliers, ouvert au public depuis 1994.

 

 Ateliers à La Métairie-Bruyère
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)
 

 

C.V. : Quelles sont aujourd’hui les différentes activités de l'Atelier R.L.D. ?

 

S.D. : Aujourd’hui, l’activité principale de l'Atelier R.L.D., c’est l’imprimerie : gravure, lithographie, typographie et digigraphie. Dans ce cadre, on travaille à la commande (pour des designers, des marques de luxe, des maisons d’édition, des galeries, des artistes, etc.). On loue également aux artistes qui le souhaitent nos ateliers bourguignons, équipés du matériel nécessaire à l’impression (presses, acides, boîtes à résine, etc.).

 

Atelier de lithographie
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)
 
 

Notre deuxième activité est celle d’éditeur d’art, spécialisé dans le livre d’artiste et l’estampe contemporaine. À notre catalogue figurent, entre autres, les noms de Valerio Adami, Pierre Alechinsky, Eduardo Arroyo, Atelier Bingo, Pierre Bettencourt, Corneille, Ludovic Debeurme, Hervé Di Rosa, Sophie Dutertre, Joan Miró, M/M Paris, Max Papart, Antonio Saura, Bertrand Secret, Speedy Graphito ou encore Hervé Télémaque.

 

Presse à l'atelier de lithographie
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)
 
 

Nous sommes aussi organisme de formation, afin de permettre aux artistes cotisant à la Maison des Artistes d’être initiés aux techniques de la gravure et de l’estampe – dans ce cadre, ils peuvent être hébergés plusieurs semaines à La Métairie-Bruyère.

Outre ses ateliers de gravure, de lithographie, de typographie et de digigraphie et afin de mener à bien toutes ces activités dans les meilleures conditions, l'Atelier R.L.D. possède aussi ses ateliers d’encadrement, de cartonnage d’art et de papier (découpe, mouillage, séchage).

Enfin, La Métairie-Bruyère est un centre d’art graphique qui accueille des expositions et des évènements (concerts, stages, etc.).

Corinne Dutrou, la fille de Robert et Lydie, est gérante et s’occupe de la direction artistique de la maison d’édition. Christian Mameron, son compagnon, est chef d’atelier ; typographe de formation, il a appris la taille-douce et la lithographie aux côtés de Robert. C’est un très bon pédagogue et un excellent coloriste, les artistes aiment beaucoup travailler avec lui [à ce sujet, voir le témoignage de Jacques Leclercq-K., « OSP aime les artistes #01 », ndlr].

 

Tirage d'une gravure dans les ateliers
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR) 
 
 

C.V. : Comment as-tu intégré l'Atelier R.L.D. ?

 

S.D. : J’ai fait les beaux-arts. À l’occasion d’un stage à La Métairie-Bruyère, j’ai découvert le lieu, le travail collectif des ateliers, une volonté d’accueil des publics, un désir de transmission. Et j’ai eu envie d’y travailler. Je suis arrivé au moment où l'Atelier R.L.D. avait besoin de renouveler son approche, de rencontrer de nouveaux artistes, d’initier des projets neufs. Aujourd’hui, je m’occupe de l’atelier de Paris où j’accueille les artistes et les clients pour les aider à définir leurs besoins, je démarche de jeunes artistes pour la maison d’édition – avec le souci de trouver un équilibre entre abstraction, figuration et street art –, je fais le suivi des projets, etc.

 

Sébastien Desplat travaillant à l'atelier de lithographie
(Photo : archives de l'Atelier R.L.D., DR)

 

 

C.V. : Quels sont les prochains événements organisés par l'Atelier R.L.D. ?

 

S.D. : On élabore actuellement notre prochaine exposition, organisée pour les 25 ans de La Métairie-Bruyère à l’été 2019. Elle s’intitulera « Portraits de famille », sorte de jeu des 7 familles revisité par Clet Abraham, Camille Falsini, Kashink, M. Pee, Damien Poulain, Antonio Segui et Speedy Graphito, et s’adressera autant au jeune public qu'à un public averti. On éditera le jeu ainsi que les différents portraits lithographiés, en tirage numéroté et signé. Il faut rappeler que, depuis sa création, tous les bénéfices générés par l’association qui gère La Métairie-Bruyère sont reversés à des œuvres caritatives en faveur des enfants.

L’Atelier R.L.D. a emménagé récemment dans de nouveaux locaux rue de Montreuil dans le 11arrondissement parisien et on aimerait en faire un lieu de rencontre. Ainsi, en décembre, on organisera un premier pop up : l’atelier sera ouvert au public, on pourra découvrir les dernières productions et, si on le souhaite, les acquérir.

Pour ce qui est des collaborations, on s’apprête à faire des estampes avec Jean-Marie Appriou, Mathias Augustyniak de M/M Paris ou Sabine Finkenauer. On prépare également une collection de goodies (pin’s, badges brodés ou petits livres), pour rendre l’art accessible à tous !

 

 

C.V. : Pour finir, aurais-tu un graveur à recommander à OSP ?

 

S.D. : David Hockney [rires] ! Pour sa capacité à se renouveler et son intérêt pour les nouvelles technologies. Et Kiki Smith, aussi. Voilà deux artistes avec lesquels j’aimerais beaucoup travailler !

 

Propos recueillis à Paris, le 23 octobre 2018

 

 

www.editionsrld.com

 

 

 

Pour citer cet article :

Camille Viéville, « Entretien avec Sébastien Desplat, des éditions R.L.D. », galerieosp.com, mis en ligne le 5 novembre 2018, consulté le [date de consultation]